BACH在写作品时，很少或几乎不在自己的作品中加入任何的力度、速度和指法的标记。这样做是为了赋予我们极大的想象空间，让我们自己去处理演奏上的种种问题，这包括对风格的理解。所以，我们没有必要去讨论究竟什么是真正的BACH，怎样弹才算是BACH，应该能够按照BARPQUE的音乐风格自由地诠释和演奏BACH的作品。
但这并不代表我们可以随心所欲地弹BACH。不论它有多么自由，但每一部作品的感情基调都是固定的。打个比方，《平均律钢琴曲集》第一卷PRELUDE No.12，首先它的调性(in f minor)就已经决定了——这是一首伤感的作品，乍一听只不过是一句句的分解和弦，但可以听到从背景里传来的满溢悲愁的哀歌。所以，我们首先得能够知道，要放慢速度，要平心静气，以非常均匀的、清晰的声音来演奏它——这样才有可能达到好的效果。如果我们只把它当作一首普通的指法练习曲，那算是毁了它了。所以要求我们，不论学习还是演奏，都要抓住作品的感情基调，是悲伤的、愉悦的，还是讽刺的、赞赏的?
可以这么讲，世界上所有的钢琴音乐作品，恐怕要数BACH的最难以学习和演奏了!BEETHOVEN刚到维也纳时，为人们演奏了BACH的《平均律钢琴曲集》，立刻，他就被誉为“键盘乐器大师”了。可见BACH的作品在钢琴音乐上有着怎样的地位。初学BACH时，很多人都会误以为BACH是很简单的，不过是一些简单的音符，而且速度又何等的慢。我想，这些人原先没有接触过复调作品，才会有这种感觉的。他们可能早已把BACH当成了一个优秀的主调音乐作曲家。
最先接触的可能是他的《二、三声部创意曲集》，这可能是BACH最简单最基础的复调作品了。首先从二声部创意曲开始学起，这时我们就要开始注意到它已经与主调音乐有所不同了。要懂得什么是主题(主句)、对题(对句)和答题(答句)，并能够很好地区分它们。然后才开始学习并演奏它们。这时，你就要注意到一些技术上的问题了。其实，在你认识复调作品之后，这些技术问题就已经存在了。BACH作品的技术性问题大概可以归纳为以下几点：
1 - 手指触键一定要干净，要有好听的“金属声”，一定要铿锵有力。
2 - 要能够很好地做到连奏(legato)，均匀地、清晰地弹出每一乐句。
3 - 让句子唱起来!你在心里唱，它在琴上唱。使乐句赋有歌唱性。
4 - 每一声部清晰地体现!
我想，这是每一个学习BACH的人所应该具备的最基本的能力。然后才谈得上演奏，才谈得上风格问题。
不过至于第2点，我本来不打算把这一点加进去的——很多人认为，BACH是为古钢琴写音乐的，所以根据古钢琴声音的特性，一定要用legato才行——确实，我承认用legato是为了在现代钢琴上体现古钢琴的某种特性，但是使用绝对的legato就很难以体现那种铿锵有力的声音了。我知道，很多人一定反对这种说法。他们见到我这种说法肯定会忍不住破口大骂的。我有时也在矛盾当中——究竟用legato，还是不用?我想，这就涉及到个人的理解问题上来了。GOULD在演奏《平均律》第一卷FUGUE No.1时，几乎全部都是non legato的，这样演奏的效果是：我们可以很清楚地分辨出每一个单音——即使它是四声部的，可以感受到键盘乐器特有的“力量”，甚至有在听古钢琴演奏时的感觉——音质的清晰、铿锵、悦耳。再去欣赏RICHTER版本时，就会是另外一番不同的感受：可以体验到古钢琴特有的性质——由于没有制音器的“干扰”，每一个单音都可以持续很长时间，所以会给人一种很“连续”的感觉。总之，很难说，legato或non legato是对还是 错。所以说，见仁见智，不要人云亦云，自己怎么想的就怎么做，不要怕别人怎么评价你。 BACH的作品难以演奏，这主要是说如何使每一声部清晰地体现。即便是二声部创意曲，它也要比一些主调作品复杂得多，这要求你的两手的协调性很好，不能去做撇脚先生，不能仅仅注意到左手或右手。每一声部进入乐曲时都应该予以足够的重视，并做好充分的准备工作。这样使得每一声部错落有致地结合在一起，互不发生冲突。这说起来容易，做起来确是相当的难!二声部作品还好说，要是三声部怎么办?四声部呢?有时甚至还有五声部FUGUE。而我们只有两只手，而且是演奏一件乐器，要做到每个声部都听的清楚，实在是太难了。在这样的多声部作品中，双音或和弦是少不了的，但通常情况下，绝不可以让双音或和弦中的每一个音都具有相同的音色、音量— —每一个音都是一个独立的声部，要有声部的体现，给人以立体感!所以，要多多练习相关的练习曲，或针对单独的复调作品直接进行练习——耳朵一定要好使，会听，要有极其敏锐的声音分辨能力才行，把速度降到能够弹好为止。当然，我还是建议大家去练一些枯燥乏味的和弦练习，让和弦中的每一个音有互不相同的音量。我很想把一些练习的乐谱加到文章里来，以便能更好地说明练习的方法。可是时间有限，以后再说吧。
